Quais conceitos de design e arte os estudantes / profissionais de arte discutiam nos anos 70?

Estou me perguntando: se você era [condicional, não estou pedindo a pessoas que realmente estavam lá] uma arte (ou impressão ou anúncio, não tenho certeza de qual seria o título da época) estudante ou profissional em Nos anos 70, com o que você conversaria com seus colegas / colegas de classe?

Não quero dizer o que você estudaria na sala de aula, mas o que consideraria assuntos revolucionários (e talvez um pouco subversivos) na época? Quais eram as tendências, as novas idéias que as pessoas estavam falando?

Podem ser estudantes da América ou da Europa. Na verdade, estou pensando em universidades latino-americanas, mas sei que isso pode ser muito específico. E eles devem estar falando das mesmas coisas, eu acho.

Eu sei, por exemplo, que estudantes de ciências sociais discutiam muito sobre Levi-Strauss. O que era proibido em alguns países da América Latina, porque era considerado "perigoso". Imagino que talvez estudantes de arte estivessem falando sobre ... pós-modernismo? Feminismo? Eu realmente não sei e agradeceria sua ajuda.

Não sou especialista e não era estudante nos anos setenta, mas lembro-me de algumas das revoltas políticas, correntes sociais e culturais e eventos.

O design é informado, desenvolvido em conjunto com, ou como reação à política e aos acontecimentos da sociedade em geral.

Sim, definitivamente havia uma boa dose de estética hippie dos anos sessenta nos anos setenta; naquela época, havia se tornado mais aceito e mais popular. Os elementos psicodélicos não mais tão "perigosos" e subversivos, a "paz e o amor" da desobediência civil e dos protestos não violentos, com sua estética multicolorida de flores orgânicas "teriam que desaparecer": inevitavelmente o pêndulo político oscila.

Sessenta. Hippy-dippy:

Houve experimentos com técnicas de impressão nos anos sessenta, e você encontrará a loucura de derramar várias cores na mesma cor em impressoras offset. O resultado final é que tudo fica acastanhado, mas você pode imprimir bastante antes das cores se misturarem e receberá um monte de pôsteres todos ligeiramente diferentes. Ou seja: não haveria varredura. Não consigo encontrar nenhum exemplo, mas imagine que você coloque várias cores nisto:

Embora feito em 1967, o design do álbum de Milton Glasers Bob Dylan mostra uma linguagem visual rígida. O que quero dizer é que o cabelo "hippie" não tem cores selvagens hippie. Eles estão silenciados. A fonte e a silhueta falam de um contraste minimalista.

Há uma grande diferença entre o que você pode chamar de design corporativo e as correntes subjacentes enraizadas em algum tipo de linguagem visual de baixo para cima. Se você pesquisar "design de 1970", terá muitos - o que foi visto por muitos como - efeitos visuais de sobrancelha, designs para empresas e tecnologia nova e maravilhosa. Ainda há muitas cores, mas não muito da coisa florida orgânica. Está se movendo em direção a elementos gráficos mais simples. Compare o design comercial com as capas de LP, pôsteres de shows, eventos culturais de base etc., há uma grande lacuna.

Setenta. Você compraria isso?

E, claro, há a arte controversa de Andy Warhol, que "descaradamente" comercializou arte. Eu acho que você poderia chamá-lo de mestre do design plano: D.

Aqui, Liza Minelli:

A agitação social e o conflito de 1968 foram uma reação violenta ao que era visto como elites militar, capitalista e burocrática. Muitos governos responderam com uma escalada de repressão política e violência física. Os protestos pacíficos não foram a lugar algum. Homem na rua, anti-establishment. Guerra fria, guerra real, revoluções, queda do império britânico, Mao morreu. O mundo era grande, frio, perigoso e confuso. Robôs, ficção científica, exploração espacial, guerra nas estrelas, distopias, manipulação genética; o mundo estava se tornando estranho. A esperança de que o mundo pudesse ser melhor do que era, vacilou.

Digite punk

Qualquer um poderia criar qualquer coisa. Qualquer um poderia criar música. A tecnologia estava facilitando para mais pessoas se interessarem por arte, música e design. O exemplo clássico disso é obviamente Sex Pistols. Era uma bagunça, era faça você mesmo, era alto (em todos os sentidos da palavra). Eles pegaram símbolos reverenciados e os dissecaram: a rainha, a bandeira, a religião, os políticos. A grade estava realmente fora da janela, regras e consistência eram para maricas. Se você fosse surdo, isso seria uma vantagem como cantor. O Clash foi criticado por ser muito "melódico", não punk "genuíno". Classe alta.

E aqui uma peça do retrato de Marilyn Monroe, de Andy Warhols:

O movimento feminista nos anos 70 pegou elementos do punk; era a linguagem visual do protesto. O foco era o corpo feminino, o direito à liberdade sexual, remuneração igual e solidariedade às mulheres em todo o mundo.

Solidariedade com as mulheres vietnamitas durante a guerra do Vietnã:

Sendo estudante na década de 1970, eu pensaria que haveria uma lacuna bastante grande e uma guerra de trincheiras entre o punk e o "bom gosto". O pós-modernista (termo que desprezo) e a desconstrução analítica colidiram com a estética "de rua". Outros elementos seriam a estética da "máquina", a arte gráfica e a música de David Bowie e Pink Floyd seriam exemplos. Acho que você poderia chamá-lo de surrealismo de máquina (em oposição ao surrealismo orgânico hippie), máquina-homem e a reinvenção de nossa identidade para o que somos e o que criamos (ou seja, tecnologia).

Vale a pena notar que o movimento punk obviamente se opunha ao comercialismo. À medida que aqueles que fazem parte do punk envelhecem e podemos vender coisas para eles, "a linguagem" deles é absorvida pelo comercialismo mais convencional, embora em uma versão mais branda. Qual é o caso em muitos casos.

Não tenho certeza se realmente respondi à sua pergunta, mas foi uma tentativa de colocá-la em um contexto histórico.

(os próximos anos seriam os anos oitenta e o louco boom econômico. Mas já chega.)

É claro que os assuntos discutidos foram altamente subjetivos e diferirão consideravelmente dos países com formação política tão divergente quanto nos anos 70.

Deixe-me compartilhar minha lembrança dos conceitos de design gráfico que eu achava legal na Alemanha, quando eu era adolescente. Estou ciente de que isso é inevitavelmente uma visão bastante inclinada, estreita e pessoal.

A maioria dos desenhos foi fortemente influenciada pelas consequências do movimento hippie dos anos 60, com poder de flores. Mas seus conceitos se tornaram mais consolidados e comercializados. As drogas e sua influência no estado mental resultaram em " Psychedelia ", que foi transferida para quase todos os lugares, como filmes, comerciais e música.

Adesivo psicodélico 7-up

Isso também se refletiu nas obras de arte gráficas para capas de discos de vinil, que frequentemente tinham o tema de um mundo surreal fantástico:

Yessongs cover de Roger Dean

Houve muita influência disso no surrealismo, principalmente nas obras de Salvador Dali ou Yves Tanguy .

As estruturas orgânicas arredondadas e os ornamentos florais substituíram o estilo minimalista da Bauhaus , pelo menos naquelas áreas que afirmam ser jovens e descoladas. Fontes como Banana Split podem ser encontradas em qualquer lugar.

Os artigos de papelaria frequentemente eram muito ornamentados, incluindo o papel de carta e os envelopes.

Os principais designers dos anos setenta, como Lugi Colani, adaptaram essas características orgânicas a quase tudo:

Design de caminhão por Colani

O minimalismo da Bauhaus, linhas geométricas não orgânicas claras ainda estavam presentes nos anos 70. Eles sobreviveram até hoje, mas até então eram considerados "quadrados" .