Por que é tão difícil mudar de um editor de varredura para um editor de vetores?

Por que tantas pessoas lutam com a mudança de um editor de pixels para um editor de vetores? Ou eles fazem alguma pesquisa sobre o assunto? Especialmente, parece, nessa direção. Parece que a direção oposta (editor de vetor para imagem) não é tão dolorosa.

Existem métodos conhecidos, possivelmente pesquisados, para facilitar a migração? Como você faz a transição o mais indolor possível? Existe algo que geralmente é necessário desaprender para ter sucesso?

Não posso fazer referência a estudos concretos. Apenas alguns pensamentos subjetivos que se tornam muito longos para um comentário.

Recentemente, comecei a aprender / brincar com canetas de tinta. Uma experiência bem diferente, estou muito mais confortável com um pincel ou lápis na mão. Eu acho que indo de tinta em tinta ou tinta em tinta, você tem uma barreira de aprendizado semelhante. A tinta e a caneta fazem o papel familiar parecer diferente.

O formato de pixel é muito natural para qualquer artista gráfico. Ele tem uma tela com largura e altura, posso configurá-lo para as dimensões do meu papel, se eu quiser. Eu posso ter camadas, que são como camadas de papel. Eu desenho uma linha, os pixels ficam coloridos. Eu manco uma linha, os pixels ficam borrados ou emplumados.

Formato vetorial, seu nome, ele usa pontos vetoriais. O artista diz: "Ah, sim, vetor, eu sei, aquelas coisas que meu professor de matemática estava falando enquanto eu desenhava um burro". Para obter uma linha, preciso de dois pontos vetoriais unificados, com um traçado ativado e preenchido. Quer uma linha curvilínea, fácil, os pontos vetoriais são transformados em pontos de controle mais difíceis. "Eu preciso de uma camada", sim, basta agrupá-las, que formam uma camada, todo o ativo é uma série de grupos / camadas aninhados ...

Meu argumento é que, conceitualmente, lápis e papel estão muito mais próximos dos pixels da tela do que dos vetores no espaço relativo.

Pessoalmente, achei o ilustrador mais interessante, capaz de criar contornos simplificados, que serão nítidos em qualquer dispositivo, impressos em qualquer tamanho. Talvez, se você estiver ensinando pessoas mais interessadas em arte conceitual, elas achem o ilustrador opaco. O que é justo o suficiente.

Eu tive esse problema. Quando eu era estudante e recém-formado, odiava trabalhar com vetores e fazia essencialmente todo o meu trabalho criativo no Photoshop, alternando com relutância para o Illustrator para "vetorizar" meu projeto concluído e assinado para criar a arte final. Conseguir um emprego em que tive que produzir gráficos controlados por dados em um curto espaço de tempo, onde trabalhar em varredura nunca foi uma opção para me curar do meu mau hábito e me fez enfrentar meus problemas com o vetor - e agora uso o vetor para quase tudo, exceto edição de fotos.

Para mim, tudo se resumia a:

O vetor tem uma curva mais acentuada porque a varredura faz mais com menos variáveis

• No Photoshop, quase tudo se resume a manipular basicamente a cor / valor, a mesclagem / opacidade e o estado selecionado / mascarado dos pixels nas camadas. Quase todas as ferramentas sofisticadas são basicamente variantes desses três tipos de variáveis. Depois de entender essas coisas, você pode encontrar maneiras de fazer quase qualquer coisa usando apenas algumas ferramentas e princípios, e é relativamente fácil intuir e entender que tipo de ferramentas podem existir para facilitar tarefas complexas
• O Illustrator possui muitos outros tipos de partes móveis e muitas outras variáveis ​​que não são óbvias ou invisíveis no início. É muito mais fácil ficar completamente preso no Illustrator, porque você nem sabe que tipo de ferramenta pode levá-lo aonde você precisa. Aqui estão algumas coisas que me ajudaram:
  • A janela de aparência. Muitos cursos o tratam como um recurso avançado opcional. Eu acho que isso é um erro. Ser capaz de ver uma lista simples do que está acontecendo com cada objeto e editar todos eles em um só lugar fez com que parecesse muito mais gerenciável e que o usuário se sentisse mais no controle.
  • Trabalhando com efeitos e expandindo-os para entender como o Illustrator estava realmente passando de A para B usando vetores. "Uau, essa mistura não era mágica, na verdade era apenas uma pilha de mil retângulos ligeiramente diferentes! Ei, eu posso pegar qualquer um desses retângulos e fazer coisas com eles ..."

A falta de imprecisão do vetor leva algum tempo para se acostumar

Gradientes e efeitos parecem uma ferramenta incrivelmente contundente quando você está acostumado à total liberdade de seleções e pincéis com bordas difusas em aplicativos de varredura.

Para mim, aprender a usar malhas e misturas de gradiente ajudou, principalmente porque descobrir que eu poderia fazer qualquer tipo de efeito de mistura elegante quase foto-realista me ajudou a perceber que 99% do tempo eu não precisava e estava me sentindo deficiente. e limitado a fazer algo que eu realmente raramente precisava fazer.

Fluidez

Intimamente relacionado a ambos os itens acima. No Photoshop, trabalhar parecia fluido e natural, como desenhar ou pintar. No Illustrator, parecia que eu estava tendo que planejar estrategicamente uma série de operações e depois atravessá-las.

Parte disso foi apenas menos experiência, mas algumas coisas que ajudaram incluem:

• Aprender que o desenho à mão livre é possível no Illustrator e, com pincéis de arte sensíveis à pressão, pode ser muito eficaz
• q, a ferramenta de seleção de laço. Todo designer com quem trabalhei recentemente mal o usou antes e depois começou a usá-lo regularmente depois de algumas semanas trabalhando comigo. Desenhar um laço abrangente em torno dos pontos da seção de arte em que você deseja trabalhar e manipulá-los é muito mais rápido e parece muito mais fluido do que clicar em vários pontos minúsculos.

Precisão

Eu me acostumei com a grade de pixels como um simples absoluto contra o qual tudo poderia ser mantido preciso. Achei difícil me adaptar ao Illustrator, onde tudo poderia acontecer em quantidades quase infinitamente pequenas.

Trabalhando intensamente com a janela Alinhar (percebendo particularmente que pode ser usado com pontos, não apenas objetos) e acostumando-se a alternar entre o alinhamento inteligente do teclado sem pensar nisso e entender a grade de pixels do Illustrator (invisível, específica do objeto), me fez perceber que a falta de limites do vetor é uma coisa puramente boa e que eu não precisava de uma grade final fixa, arbitrária e inflexível.

Como aprender a nadar e ir para o fundo da piscina, onde seus pés não podem tocar o fundo, você precisa aprender que há outras coisas que pode fazer - você não precisa dessa muleta.

Isso é apenas uma suposição.

Por que alguém pensaria que é o "mesmo" em primeiro lugar?

Independentemente de serem relacionados ao design gráfico, os "dois" têm uma lógica diferente.

E existem diferentes conceitos de editores de Pixel. Retoque de fotos, pintura, um clique em "caixa de efeitos". É claro que é mais fácil usar uma caixa de efeito com um clique do que desenhar um desenho técnico de precisão ou uma ilustração vetorial, mas pessoalmente acho bastante desafiador como usar o Painter com meu wacom.

Mas vamos pensar que é o caso. Que os programas de pixel são mais fáceis de aprender, provavelmente porque a pintura e o desenho livre são mais naturais. As crianças fazem isso o tempo todo.

Meus dois centavos para aprender sobre como usar um programa vetorial são: Faça pequenos exercícios significativos com um objetivo em mente.

• Rastrear um logotipo. Boa.

• Agora dê a eles "efeitos" sombras, gradientes.

• Agora transforme isso em um papel de parede.

Se você tomar medidas significativas com o objetivo de ter um produto do qual possa se orgulhar, sentirá o programa como uma ferramenta, não como um desafio ou uma dor.

O mesmo vale para um programa 3D ou andar de bicicleta.