Como eles publicaram o processo antes do Photoshop?

Então, sim, estou intrigado com a maneira como eles postam imagens de processo antes que o Photoshop (ou computadores, por sinal) tenha surgido. Ou o pós-processamento é um subproduto da revolução dos computadores?

Minha compreensão da fotografia cinematográfica (tudo a partir do equivalente a um filme de apontar e disparar que tínhamos quando criança) é que a luz queima no filme e o filme se desenvolve. E, bem, diferentemente dos bits, seu produto final é tangível e "permanente", por falta de prazo melhor.

Sou lamentavelmente ignorante sobre o processamento de filmes, mas acho que é aqui que o pós-processamento ocorre? Como eles ajustam a temperatura da cor? Remover olhos vermelhos? Retocar manchas na pele? Eles usam corantes / tintas especiais para obter melhores cores / contraste?

Havia muita coisa que você poderia fazer, na verdade.

Vamos começar com o básico - exposição geral e contraste. Isso é algo que qualquer pessoa que tivesse uma câmara escura teria feito naturalmente. Os papéis fotográficos têm diferentes graus de contraste, e alguns papéis em preto e branco têm contraste variável, reagindo de maneira diferente, dependendo da cor da luz usada no seu ampliador. Você poderia fazer muito ao alterar a exposição geral e o contraste apenas alterando o tempo em que o papel foi exposto e a qualidade do contraste. Alterar a temperatura da cor nas impressões coloridas era uma questão de alterar o pacote de filtros (ou as configurações de uma fonte de luz dicróica). Pequenas lojas passariam a olho nítido; laboratórios grandes usariam um colorímetro.

O Photoshop (e programas similares) possuem ferramentas chamadas "esquivar" e "queimar", e elas vêm diretamente da câmara escura. Você usaria um escudo para "desviar" a luz do impacto do papel ou um cartão maior (geralmente com um orifício) para permitir que a luz extra "queimasse" o papel. Isso permitiria fazer alterações locais de contraste e brilho.

"Mascarar", incluindo "mascarar sem nitidez", também vem da câmara escura. A máscara de contraste seria feita imprensando seu negativo junto com um pedaço de filme não exposto (geralmente algo com uma sensibilidade muito baixa) e expondo o filme através do seu negativo. Isso produziu uma imagem positiva fraca, que você desenvolveria com baixo contraste. Coloque os dois juntos novamente e suas áreas de sombra terão uma densidade extra, diminuindo o contraste geral. Coloque um pedaço de filme claro entre os dois ao expor a máscara e você obterá uma máscara não nitida, que poderá ser usada para aprimorar as bordas da imagem (da mesma maneira que o efeito do Photoshop). Você também pode pintar diretamente sobre a máscara ou descolorir as áreas expostas para remover as áreas da imagem.

O retoque envolveu o uso de lápis ou corantes no negativo e na impressão. Como você só pode adicionar densidade de forma controlável (você pode colocar mais preto ou cor um pouco de cada vez, mas o clareamento é mais ou menos uma técnica do tipo tudo ou nada), você poderia clarear áreas retocando o negativo e escurecendo-as retocando a impressão. A correção de olhos vermelhos geralmente era feita em uma impressão usando uma caneta de tinta ciano e uma técnica cuidadosa de pontilhado. Era tudo um trabalho manual, e era uma opção de custo extra suficiente para que a maioria das pessoas não se importasse com isso por causa de seus instantâneos.

Depois, havia mudanças por atacado que você faria com aerografia e colagem. Isso normalmente era feito em um tamanho muito grande e depois repotografado para minimizar a aparência da obra.

Adicione imagens em preto-e-branco com tintas à mão, usando filme orto / litográfico para transformar uma imagem de tom contínua em arte de linha ou baixo-relevo e assim por diante, e o arsenal de ferramentas e técnicas fica muito grande. Não era nem de longe tão fácil quanto o Photoshop, e não havia tanto um "desfazer" como um "começar tudo de novo", mas não estávamos presos ao que você poderia obter no drogaria por qualquer meio.

Depende do que você está falando, existem realmente dois tipos diferentes de produção fotográfica - para publicação e impressão artística. Naquela época, mais pessoas usavam o "fluxo de trabalho" de impressão artística e o fluxo de trabalho de publicação era principalmente para pessoas que trabalhavam em jornais, revistas ou faziam impressões de reprodução. Hoje, basicamente todo mundo está trabalhando no fluxo de trabalho de produção e menos pessoas no fluxo de trabalho de impressão artística. Note, eu tenho uma formação técnica em jornais, então parte do que vou dizer é colorida por isso.

Impressão de belas artes: Essa também é a base de todos os outros fluxos de trabalho (exceto, talvez, onde as pessoas estavam reproduzindo slides, eu sou um pouco confuso com a reprodução precoce de cores - nunca trabalhei em um jornal que fiz muitas fotos coloridas antes computadores). Esta é a sua fotografia básica da câmara escura, onde você projetou o filme em uma folha de papel sensível à luz e o executou em alguns banhos químicos / de água.

Para trabalhos em preto e branco, você estocou papéis com diferentes curvas de contraste ou usou papel de contraste variável que alterava o contraste, dependendo da cor da luz usada para expô-lo (então era necessário estocar esses filtros). O bom do papel VC é que você pode ter diferentes curvas de contraste em diferentes partes da imagem, mascarando a imagem (fisicamente, com papelão ou algo assim!) E expondo diferentes partes da imagem com filtros diferentes. Esquivar-se e queimar eram literais, usando mais papelão ou pequenas ferramentas para reter a luz de parte da imagem ou fornecer luz extra. Todos os outros retoques seriam feitos com um pincel ou aerógrafo - embora algumas pessoas realmente trabalhem no próprio negativo.

Para o trabalho em cores (e novamente, não tenho muita experiência aqui), a temperatura da cor seria corrigida por filtros coloridos. Você precisaria de alguns e foi muito entediante acertar as coisas.

Publicação: Duas maneiras de ir aqui. Para trabalhos em preto e branco, você pode cobrir uma folha de papel de alto contraste com uma tela com pequenos pontos gaussianos. Isso mudaria o trabalho artístico em uma série de pontos - pontos maiores para as áreas escuras e pontos menores para as áreas mais claras. Essas imagens seriam trabalhadas em uma representação em papel da página e, em seguida, filmadas em uma câmera muito grande que produziria um pedaço de filme do tamanho da página. O negativo seria então queimado em uma chapa de impressão. Estamos falando da tecnologia dos anos 50-60.

Para o trabalho em cores, você ainda começaria com uma impressão estática (se a memória servir), mas a fotografaria várias vezes usando filtros diferentes na câmera para obter "separações" ciano, magenta, amarelo e preto.

Espero que essa explicação não seja muito confusa, mas o processo foi muito mais difícil, envolveu produtos químicos fedorentos, salas escuras e foi difícil reverter. E eu me sinto muito velho sabendo tudo isso :-)

Para uma análise mais aprofundada disso (especialmente do ponto de vista em preto e branco), recomendo o livro de Ansel Adams, "The Print".

Muitas das idéias básicas já foram abordadas, mas havia toda uma escala de vários truques que você poderia usar. Por exemplo, você pode afiar suas impressões desenvolvendo-as em um desenvolvedor completamente estacionário, em vez do processo usual que envolve agitação constante do papel no desenvolvedor. O problema era que grandes áreas escuras poderiam acabar subdesenvolvidas, mas era uma técnica útil para fazer reproduções fotográficas de materiais impressos. Uma versão extrema dessa técnica, na qual você absorveria brevemente o papel exposto na solução de revelação, retiraria e espremeria revelador excessivo com um rolo e desenvolveria a impressão em uma camada extremamente fina de solução, criaria um efeito semelhante a um algoritmo de detecção de borda.