Existem guias ou regras práticas escritas para definir a saturação, a claridade, a vibração da cor etc. no pós-processamento (ou em geral)?

Esta não é outra pergunta "como faço para obter uma imagem parecida com esse e esse link inseridos aqui no LR". Há uma saturação (sem trocadilhos) dessas perguntas aqui. Interessante, mas não geral o suficiente.

O que realmente estou perguntando é : como as pessoas tomam decisões pós-processo para fazer coisas como melhorar os tons de pele ou até mesmo melhorar a cor e a iluminação de qualquer imagem?

Normalmente, toquei em alavancas no Lightroom (normalmente exposição e contraste, balanço de branco e, ocasionalmente, saturação) até que tudo parecesse certo. Eu, pessoalmente, busco o realismo, não algo pós-processado de forma cruel (me deixa preguiçoso quando estou filmando de outra forma). Além disso, tiro RAW para que o 'estilo de imagem' na câmera não se aplique.

Mas não parece tão consistente; em contraste (também sem trocadilhos), se você estiver observando as regras básicas para enquadrar fotos, técnicas de iluminação e muito mais, poderá encontrar esses guias em todos os lugares, especialmente no StackExchange. Você pode obter consistência mais rapidamente enquanto aprende essas coisas. Mas a técnica pós-processo me parece mais aleatória.

Muito interessado em ouvir sobre o que os profissionais pensam / fazem aqui. Não pode ser totalmente subjetivo e uma arte negra (deixe-me ajustar isso e ver o que acontece) ... ou é ...?

A maioria das decisões é artística e depende do seu estilo e visão pessoais e, até certo ponto, do gênero da fotografia, seja paisagem ou retratos, comerciais ou não comerciais.

Antes de começar, você precisa ter uma idéia de como deseja que sua imagem seja. Tecla alta ou baixa? Afiado e contrastante, ou leve e etéreo? Cada imagem é diferente e, portanto, nenhuma regra definida se aplica a cada imagem. Mas tentarei dar algumas diretrizes gerais.

Usando o Lightroom ou o Camera Raw, eu trabalho nos controles deslizantes de cima para baixo.

Balanço de Branco

Eu diria que na maioria dos casos essa é uma decisão artística. Sim, você pode usar a ferramenta conta-gotas de balanço de branco para estimar o balanço de branco "correto", mas isso muitas vezes suga o calor de uma imagem agradável. Costumo usar a ferramenta de balanço de branco para verificar como isso afeta a imagem e para me manter honesto, para não exagerar no aquecimento, mas, na maioria das vezes, aumento o calor até que eu exagere, depois recoloque-o. mordeu.

Contraste

Eu nunca toquei em contraste no estágio Raw Conversion. Eu uso o Photoshop e prefiro aplicar camadas de ajuste de curvas que eu possa mascarar / escovar onde necessário. Se eu fosse processar apenas pelo Lightroom, provavelmente pularia o controle deslizante Contraste e retornaria a ele depois de fazer os outros ajustes relacionados à exposição.

Exposição, Destaques, Sombras, Pretos, Brancos

Para a maioria das imagens, vou querer uma gama completa de tons, do preto ao branco. Ou seja, para a maioria das imagens, quero que o histograma se estenda da esquerda para a direita. Supondo que estou tentando alcançar essa imagem, meu pensamento seria algo como isto:

A exposição geral está aproximadamente correta?

Se a imagem estiver muito escura, aumentarei a exposição. Muito leve, irá reduzi-lo. Obviamente, não para obter um histograma de boa aparência, mas uma imagem de boa aparência. Uma imagem de alta definição pode estar bem à direita, por exemplo. Eu tento pregar a exposição na câmera, mas há momentos em que você não pode, ou você expõe intencionalmente à direita . Além disso, se alguma coisa for cortada em cada extremidade, posso ajustar a exposição geral. Normalmente, não preciso tocar no controle deslizante Exposição.

Em seguida, como estão os pontos finais do meu histograma?

Se pretos ou brancos ainda estiverem cortados após o ajuste da exposição, ou mais comumente se não se estenderem até as bordas do histograma (o que significa que não tenho pretos ou brancos puros), usarei os controles deslizantes Pretos / Brancos para estenda o histograma até que eu tenha toda a faixa de tons. Obviamente, essa é uma decisão artística, mas para as imagens em que você deseja uma gama completa de tons, acho que é a melhor maneira de alcançá-la.

Como são os destaques e as sombras?

Uso moderadamente os controles deslizantes Destaques e Sombras para ajustar as áreas claras e escuras. Isso não é necessário na maioria das imagens. Aumentaria o controle deslizante Sombras, por exemplo, em uma imagem com luz de fundo para clarear o assunto, e poderia diminuir o controle deslizante de realces se tivesse uma grande extensão de nuvens brancas e quisesse destacar um pouco o contraste.

Clareza

O aumento da clareza pode dar a impressão de melhor contraste e detalhes. Diminuir a clareza pode dar uma boa aparência sonhadora, especialmente à água ou às nuvens. Eu acho que essa é uma escolha puramente artística. Normalmente, não faço ajustes de clareza no conversor RAW e deixo isso mais tarde, no Photoshop, onde posso usar nitidez, ajustes de curvas locais ou filtros de efeitos como Topaz Detail / Adjust para obter efeitos semelhantes localmente.

Saturação / Vibração

Eu raramente uso saturação ou vibração no Camera Raw. Se a cor em uma imagem parecer plana, posso aumentar a vibração, mas geralmente o farei em áreas seletivas ou cores seletivas, posteriormente no Photoshop. Outra opção artística - faça o que parece certo. Apenas tome cuidado para não cortar nenhum canal. A vibração é uma escolha um pouco mais segura .

Não, realmente não existem essas regras. É aqui que entra um olhar para essas coisas, através de uma habilidade natural ou através da prática (ou de ambas). É subjetivo , mas não arbitrário , e é arte, mas não é uma arte negra .

Eventualmente, você desenvolverá um estilo pessoal para o que lhe parecer melhor. Muitos fotógrafos desenvolvem uma aparência pessoal muito distinta. Você menciona "profissionais", e vale a pena demorar um segundo para pensar sobre isso, porque é o gosto dos seus clientes que é mais importante. Se você estiver fotografando retratos de cidades pequenas, é provável que você queira ir com um visual direto com um "pop" extra. Alguns anos atrás, meus avós tiraram o retrato e, enquanto o fotógrafo insistia que o olhar de foco suave era uma escolha artística, meus avós estavam chateados - não era do gosto deles. Mas se você é fotógrafo de casamentos, um visual "sonhador" provavelmente não fará mal. Ou, se você estiver buscando vendas de "arte" no mercado de massa, a julgar pelo que vi em uma galeria em Las Vegas, você provavelmente deseja aumentar a saturação até que seus olhos sangrem e tomem o mapa até que os halos estrangulem toda a cena. Se você estiver procurando por representação em galeria, ajudará a conhecer as tendências atuais das artes plásticas (mesmo que, esperançosamente, seu próprio trabalho forme esse limite). Mas se você está buscando um tipo de arte mais duradouro ou está trabalhando para sua própria satisfação pessoal, terá que ser seu próprio público.

Eu acho que "regras" são comuns para composição porque a câmera não pode fazer isso automaticamente para você. A câmera pode equilibrar a exposição de maneira aceitável, mas não pode escolher onde centralizar o assunto . Essas regras de composição geralmente são duvidosas , mas fornecem uma estrutura básica e pontos de partida confortáveis ​​quando você não sabe por si mesmo o que deseja.

No entanto, se você não sabe o visual que procura no estilo visual , pode escolher uma predefinição, "estilos de imagem" na câmera ou configurações pré-embaladas no seu conversor RAW. Nos dias anteriores da fotografia em preto-e-branco, esse não era o caso, e você pode encontrar muita sabedoria coletada (e, como sempre, reivindicações prescritivas mais dúbias) daquela época. Quando o filme colorido menos flexível entrou em uso, essa abordagem sofreu um ferimento grave e, embora o digital traga de volta a flexibilidade, ele também traz "looks" pré-prontos e facilmente embalados, por isso é improvável que o paciente faça uma recuperação completa.

Dito isto, posso pensar em uma diretriz ao trabalhar para esse estilo: tudo com moderação. Isso geralmente é expresso como algo como: Depois de obter um efeito especial que você gosta, reduza para metade dessa força e siga em frente. Mas, como essas regras de composição, essa é uma linha conservadora, e conservador raramente é um valor célebre na arte. Então, você pode tentar o contrário: seja ousado . Certamente, em alguns anos você poderá olhar para o seu trabalho com alguma vergonha, mas pelo menos não será acusado de ser tímido.

Ajuda a ser deliberado. Aqui, a flexibilidade infinita é seu inimigo. Ele permite que você faça o que quiser, e isso pode dificultar a instalação no seu ritmo pessoal. Então, aqui está uma abordagem para tentar ... Largue a câmera digital e pegue um corpo de filme antigo. Pentax K1000, Nikon F, talvez um telêmetro da Canonet. Pegue vários rolos de Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS e Ilford Delta 1600. Ou, pelo menos, desligue o conversor RAW e escolha alguns desses estilos de imagem - muita pesquisa e desenvolvimento é aplicada neles, então eles são realmente muito bons . Se sua câmera permitir (espero que sim) ajustá-los de acordo com suas preferências pessoais (aumente o contraste, por exemplo), mas depois de fazer alguns ajustes, deixe assim por um tempo. Você pode até retirar os "filtros artísticos", se sua câmera fizer isso. Efetivamente,as regras práticas que você procura, tornadas programáticas.

Passar uma semana fotografando intencionalmente com a regra dos terços não o tornará automaticamente um fotógrafo melhor, mas ainda é um bom exercício, porque se você fizer isso e revisar cuidadosamente os resultados (avaliando não apenas a aplicação da regra, mas o efeito geral ), você saberá melhor o que deseja fazer e por quê . Da mesma forma, grave alguns rolos de filme de diferentes tipos ou escolha um conjunto de predefinições e mantenha-o por um tempo. (Se isso for muito doloroso, você sempre pode usar RAW + JPEG para ter uma "saída" se conseguir uma foto única na vida que realmente não deveria ter sido aplicada com essa tonalidade verde.) feito que o exercício, você provavelmente não vai querer continuar trabalhando assim para sempre, mas eu acho que vai ajudá-lo a descobrir como você fazer deseja que suas imagens sejam exibidas.

O que importa mais do que a maneira como você classifica a cor é que você tem consistência na classificação de cores em uma série. Geralmente, convém garantir que uma série de fotos flua bem, embora possa haver momentos em que você também queira que elas sejam drasticamente diferentes.

Como outros já mencionaram, não há regras aqui além da estética geral. Ou você está de olho nisso ou não. Use seu senso artístico e cor de acordo. Se você estiver tentando desenvolver suas habilidades, dedique algum tempo a observar as obras de que gosta e o equilíbrio delas e tente replicá-las.

Depois de um tempo, você poderá identificar quais partes de uma imagem estão fora de controle a partir de onde você as deseja e torna-se uma simples questão de ajustar como achar melhor para obter a aparência desejada.

Além disso, não tenha medo de seguir seu próprio caminho. A maneira como as pessoas colorem a nota é provavelmente mais uma indicação de quem é o fotógrafo do que qualquer outro aspecto da fotografia. As pessoas definitivamente desenvolvem uma aparência de que gostam e, se forem boas na classificação de cores, muitas de suas fotos terão uma aparência geral semelhante. Tem que variar um pouco de uma foto para outra, uma vez que os assuntos diferem e, portanto, a estética pode exigir pequenas diferenças de estilo, mas geralmente existem coisas que a tornam reconhecível.

Pessoalmente, eu tendem a contrastar um pouco, procurando um ponto preto rico, sombras detalhadas, mas razoavelmente fortes, destaques imediatamente antes do pico e uma imagem geral bem saturada (mas não super saturada) e com cores fortes. Às vezes, trago um pequeno detalhe para exagerar os destaques, mas geralmente tento evitá-lo na maior parte do tempo.

Algumas pessoas preferem níveis de contraste mais escuros, mais brilhantes, surreais, outros mais desbotados e desgastados pelo tempo. No lado artístico extremo, alguns chegam a distorcer a cor a ponto de ficarem irreconhecíveis em relação à cena original. Cabe inteiramente a você, o artista, decidir o que você gosta.

Na verdade, não há diretrizes. Você precisa aprender posicionamento, corte, composição. Os movimentos artísticos têm diretrizes que não são tão rígidas quanto a tonificação e abordagem. Para a fotografia, você pode olhar e procurar os aviadores ou pioneiros do estilo que deseja praticar. do começo até hoje. Como um exemplo de Richard Avedon a Patrick Demarchelier para fotografia de moda. E como um conselho de um fotógrafo profissional - eu mesmo: D - sempre tenha preto e branco em sua foto, se você não estiver se aproximando de produtos de pós-contraste.