Sei o que é uma foto ruim, então por que continuo tirando?

9 das 10 fotos que eu tiro são chatas, e isso é imediatamente aparente quando eu olho para um novo lote na tela do computador. Como sou totalmente capaz de identificar uma foto ruim, por que não consigo parar de pressionar o botão do obturador quando a vejo no visor?

É uma ilusão, certo? Não está vendo a floresta para as árvores? É porque estou subconscientemente perseguindo aquele sentimento que recebo nessas raras ocasiões em que não tinha certeza sobre uma composição e então ela ficou ótima?

Ter um conceito em mente de antemão geralmente gera imagens muito melhores, mas quando estou com minha câmera e algo levemente interessante aparece, não posso deixar de pensar que valerá a pena. É ainda pior quando tiro uma foto de um amigo - o que parece ser uma ótima foto no momento geralmente fica sem graça com a pessoa em uma pose desajeitada.

Alguém conseguiu superar esse viés de otimismo e / ou visão de túnel? O que você faz isso permite que você pense criticamente e veja a cena inteira objetivamente antes de desperdiçar filme ou megabytes?

Adendo: Eu sou um estudante de doutorado estudando a neurociência cognitiva da visão e, dada a maneira como o cérebro constrói o mundo usando as faculdades limitadas do olho (por exemplo, apenas uma pequena fração do campo visual é resolvida com alta acuidade), isso a incapacidade de avaliar rapidamente uma cena objetivamente não é surpresa. Os momentos que estou tentando capturar são frequentemente fugazes, e meus olhos provavelmente resolvem a única coisa de interesse e o resto do mundo é preenchido pela construção da realidade do cérebro, que parece ser uma representação ruim do que a luz está realmente fazendo, ou apenas um desprezo feliz por todo o lixo chato que preenche o resto da cena ... Será que grandes nomes como W. Eugene Smith de alguma forma aprendeu a ver rapidamente cada parte de uma cena e foi capaz de decidir se era uma boa cena ou não antes do momento passar? Essa é uma habilidade que está naturalmente presente em algumas pessoas ou a maioria dos fotógrafos precisa fazer algum tipo de treinamento oftalmológico rigoroso para chegar lá? Como você chegou lá?

O pior cenário: passei 10 minutos configurando essa longa exposição e achei muito legal. O resultado, porém, é claramente chato, mesmo que haja alguns elementos interessantes

Prática, prática, prática. Isso é algo que me propus a fazer e está progredindo, embora não tão facilmente quanto o esperado.

Como você, decidi simplesmente não tirar as fotos ruins depois de ter desenvolvido um olho para o que é uma boa foto na minha visão. Comecei com uma proporção de cerca de 100: 1 antes de saber o que é uma boa foto! Com uma melhor idéia de exposição e composição, não demorou muito para chegar a 10: 1, mas a partir daí foi muito difícil, levando anos para chegar a 8: 1 e agora em torno de 6: 1. Observe que essa é uma proporção média e algumas situações são apenas mais difíceis. Quanto mais movimento houver na cena, maior será a taxa de perda / sucesso.

Coisas que fizeram a maior diferença:

1. Pré-visualização. Olhando para os elementos ao seu redor e decidindo se há o suficiente para fazer uma cena.
2. Inspecionando o quadro inteiro. A maioria das pessoas dispara quando vê algo que gosta no quadro. É muito melhor fotografar quando você vê apenas algo que gosta no quadro.
3. Bordas verificadas duas vezes. O uso de uma câmera com um visor de 100% de cobertura é imensamente aliviado por isso. Eu garanto que nada ou ninguém esteja cruzando a borda dos meus quadros, a menos que fotografe objetos ou multidões.
4. Pressione o obturador lentamente. Ao soltar o obturador, observe com atenção se algo está chegando na borda do seu quadro e se a câmera está nivelada e verifique se ela permanece assim.
5. Aprenda a ver a luz em uma cena. Particularmente contraste, já que as câmeras têm um alcance dinâmico limitado. Você terá uma idéia melhor de quando uma foto não pode ser exposta corretamente. Agora, geralmente presto atenção especial à hora do dia e para que lado o sujeito está voltado para adivinhar quando a luz a atingirá de uma maneira melhor, pois a luz muda ao longo do dia.
6. Revise suas fotos o mais rápido possível. Aprenda com eles e repita. Isso é essencial ao passar o nível 10: 1. Muitas cenas pareciam pensadas naquele momento, mas ao vê-las em contexto, comecei a ver por que algumas eram melhores.

Não sou especialista em fotografia, mas ainda gostaria de oferecer meus 2 ¢. O erro que costumo fazer é incluir muito da parte da imagem que não é relevante para a cena, apenas porque há alguns detalhes interessantes. Geralmente, isso geralmente significa "terra demais, céu insuficiente" ou "tenho que olhar para cima para ver o horizonte". No seu caso, sinto que você se concentra demais nas algas na calçada (o que eu concordo parece bom como um elemento, mas não necessariamente o único recurso interessante em sua foto). O problema disso é que você sente muita falta da pessoa sentada no limite. E se você incluir um pouquinho das algas, mas ainda proporcional ao restante dos elementos da imagem, ainda será um toque agradável.

Considere o seguinte corte

Fotógrafos profissionais podem discordar, mas para mim esse é um foco mais interessante do todo.

Primeiro de tudo, simula o que você realmenteveja como um humano. O foco é a criança. Tudo à sua volta, na visão da vida real, desaparece em uma resolução completamente baixa; você precisaria se concentrar na cena para ver outros detalhes. Além disso, tendemos a perceber as coisas mais ao longo de um eixo horizontal, em vez de um eixo vertical. É por isso que as fotos de grande proporção funcionam melhor (na minha opinião). Eles apenas se sentem mais "naturais". É também por isso que os humanos em geral tendem a ignorar coisas que acontecem acima ou abaixo do campo visual (a menos que sejam realmente muito tímidos). De fato, essa é a outra coisa de incluir muitos "detalhes básicos": o observador sente aquela sensação desconfortável de que estava encolhendo a cabeça com timidez. Ao focar no nível do horizonte, você literalmente levanta o olhar do espectador e também o espírito deles. Você' na cena agora, não é apenas algo que acontece em segundo plano enquanto você olha timidamente para o chão.

Em segundo lugar, de repente, existem muitos elementos interessantes aqui que ficam isolados quando você deseja procurá-los. As algas, os arbustos, a luz, os prédios e o horizonte, etc. Há também algumas simetrias de linhas em jogo (regra dos terços em termos de mar / edifícios / céu, bem como as linhas de 'ponto de fuga' causadas pela orla marítima) , trilhos e copas de árvores). Além disso, a criança é o 'foco central', mas também não o 'centro morto', o que seria o equivalente a um tiro de time de futebol.

Por fim, como alguém apontou, há muitos bons pós-processamento que trarão elementos (eu fiz um pós-processamento muito básico aqui no GIMP como exemplo): contraste / brilho, para destacar mais detalhes no folhagem escura; balanço de branco / hsv stretch para se livrar dessa textura monótona e barulhenta; brinque com o equilíbrio de cores para destacar o belo rosa no céu e o contraste com os arbustos verdes e a calçada azulada. Por fim, você pode simular a profundidade de campo desfocando um pouco as bordas da imagem; isso simula toda a "baixa resolução à medida que você sai de foco" que parece natural à visão humana e também ajuda o espectador a sentir mentalmente que o garoto é realmente o foco da imagem, em vez de uma grande coleção de coisas acontecendo, tudo igualmente ponderado.

EDIT: mostrando mais duas interpretações / abordagens possíveis para a foto, conforme os comentários abaixo:

Esquerda : concentre-se na textura (intenção do papel de parede da área de trabalho). Direita : ângulo inferior da câmera simulado

Sua foto também se parece muito com as minhas fotos "gostaria de ter feito melhor". A primeira coisa que vem à mente é que você está tentando equilibrar algumas idéias / regras e acaba sendo branda. Como a pessoa com um pé no barco e um pé no cais: se você não se comprometer com um ou outro, você cai na água.

Nesse caso, se você realmente quisesse se concentrar na água, eu teria me ajoelhado e cotovelo para me aproximar muito da água e do musgo. Talvez faça um zoom um pouco para aumentar os edifícios.

Ou, segure a câmera sobre a água, mas aponte-a mais para a direita. Recorte totalmente a paisagem urbana e concentre-se na água e no contraste com o caminho / luzes / concreto.

Você tem sua linha de recuo / convergência na beira da água, a água exposta no tempo, a paisagem urbana, o grafite / concreto, o caminho e as luzes ... e isso meio que se mistura com o meio guisado de estrada. Fiz isso bastante com vídeos em que, digamos, estou tentando entrevistar alguém e equilibrar o plano de fundo, etc, etc, e de alguma forma me convencer de que uma parede em branco por trás deles funciona.

Bem, o primeiro pensamento que eu teria é que isso está implorando por algum pós-processamento.

Você está desperdiçando completamente os destaques dessa imagem que escondem um céu fabuloso. Existem muitas maneiras de destacar esses realces sem perder os tons médios e as sombras.

A imagem que você postou é boa, mas você não a explorou em todo o seu potencial. O pós-processamento oferece enormes oportunidades para obter o impacto total do que você fotografa (incluindo ótimas opções em preto e branco de qualquer foto colorida).

Aqui está o que alguns trabalhos no GIMP (a partir do seu JPEG básico carregado) produzem e lembre-se de que esse não é o arquivo de melhor qualidade para começar a trabalhar.

Em geral, talvez você precise pensar em fotografar como apenas a primeira parte da produção de uma foto. Então você trabalha nele para extrair o que você quer / sentiu quando disparou.

Nem sempre é possível obter o que você deseja. Algumas fotos parecem idéias melhores quando você fotografa mais tarde. Mas acho que você pode estar negligenciando muito potencial por não seguir alguns pós-processamento básicos.

Vou adicionar meus 2 ¢ também, mesmo que provavelmente esteja repetindo o que os outros disseram.

PÓS PROCESSAMENTO FTW !!!

Você não deve ter vergonha / medo de pós-processamento. Mesmo antes dos fotógrafos profissionais digitais processarem suas imagens. Eles também tiram centenas de imagens e selecionam apenas algumas para apresentar. Esteja ciente de que até descartam 99 de 100 imagens (eu criei esse número, mas tenho certeza de que não está muito longe).

Notei isso pela primeira vez quando recebi minha primeira DSLR. Todas as fotos saíram sem graça em comparação com o meu ponto final e as fotos . Acabei percebendo que meu ponto de vista e filmagem provavelmente estavam fazendo mais pós-processamento na própria câmera para fazer minhas fotos aparecerem mais. É claro que apenas mais imagens contrastantes não significam que minha composição seja boa, mas foi um sinal de que o pós-processamento é importante.

Às vezes, eu costumava postar processos no Photoshop, mas eu recomendo o Adobe Lightroom porque foi projetado para permitir que você publique rapidamente muitas imagens. Posso passar por imagens e retocá-las pelo menos 30 vezes mais rápido no Lightroom do que o Photoshop e isso fez com que pelo menos tentássemos as coisas com tanta facilidade. Posso sair, tirar 30 a 100 imagens, voltar e já olhei para todas elas, tentei coisas diferentes em muitas delas e escolhi algumas para realmente apresentar em menos de 30 minutos.

Eu não sou profissional de forma alguma, mas aqui está minha tentativa de pós-processamento de sua foto no Lightroom. Não estou afirmando que isso é bom, mas vou explicar por que / como cheguei a isso, pois talvez listar minhas etapas seja útil.

Primeiro, tentei apenas ajustar a exposição, contraste, clareza e configurações relacionadas. Talvez porque não sou profissional, mas nada do que fiz tenha feito a imagem funcionar para mim. Acho que pessoalmente queria que fosse mais contrastante, mas não gostava de onde estava indo. Se isso é apenas gosto ou minha falta de habilidades no Lightroom ou o baixo contraste da imagem, não tenho certeza.

Tentei várias predefinições e preto e branco, mas não tinha certeza, não estava funcionando para mim.

Tentei recortar o lado esquerdo da imagem. Para mim, os prédios altos à esquerda eram uma distração. Eu já vi muitos conselhos de que, geralmente, quanto menos ocupada a imagem, melhor. Infelizmente, quando fiz isso, a imagem não parecia funcionar sem mais água em frente à costa.

Então, eu notei a pessoa na imagem, esse é o assunto? Na maioria das vezes, quando há uma pessoa em uma imagem, elas acabam sendo o assunto, mesmo que eu não queira. Sendo tão pequeno, era difícil ver a pessoa.

Cortei mais do que isso no começo. Mais uma vez notei coisas que me distraíram. Os prédios ainda estavam à esquerda, então eu os recortei. Então eu notei o grafite no concreto. Era grande e contrastante e parecia outra distração, então eu a cortei. Depois ajustei as cores novamente e estabeleci um contraste mais alto em preto e branco, aumentei um pouco a claridade e adicionei algumas vinhetas para empurrar o foco para a pessoa. No momento, o abajur sob as árvores também parecia uma distração. Descobrindo isso, eu estava pessoalmente feliz com isso. Eu poderia ter preferido que a pessoa estivesse mais fora do centro, mais água na frente, mas isso colocaria os prédios de volta à cena. Ou isso, ou eu poderia ter cortado mais à direita, mas senti que já havia cortado tanto que provavelmente não poderia ir até lá.

Quer você goste ou não do resultado, o ponto que eu queria destacar é pós-processamento e corte são seus amigos.

Sua pergunta e explicação envolvem o porquê . Não posso começar a responder essa pergunta aqui. Ninguém pode. Pode até ser fora de tópico; mas, é uma das perguntas mais intrigantes.

Toda fotografia responde seu próprio "porquê"; no entanto, proponho uma situação que permita que você decida por si mesmo:

Na próxima vez que você capturar seu milagre, limite-se a um único tiro .

Meu raciocínio baseado na experiência : durante anos, eu tinha um suporte para filme e uma câmera de 8 "x 10". Descobri que minha escolha de quando tirar minha foto se tornou diferente de quando eu tinha a capacidade de tirar muitas. O (esforço de usar uma) câmera de visão no campo mudou a maneira como eu montei, apontei, foquei e expus minha única foto. O alto custo do filme e o longo tempo necessário para processar manualmente meu filme alteraram o valor da foto. Eu tinha que planejar quem, o que, onde, quando e como antes de levantar minhas malas de equipamentos.

Este exercício (sem brincadeira) me permitiu examinar pensativamente minha resposta para o motivo de eu estar prestes a pressionar o botão do obturador.

Tente. Essa é minha sugestão de como responder à sua pergunta do porquê .

Esta é a mesma imagem cortada para seguir a regra dos terços. Você pode ter em mente a regra dos terços quando a tomar pela primeira vez.

Na foto original, a metade esquerda é a água e a metade direita é a terra, que é como uma gigantesca divisão no meio. Portanto, o espectador precisa escolher entre esquerda e direita. É como se o artista estivesse apresentando uma opção ao espectador: esquerda ou direita. Pode haver um tempo para isso (acredito que a palavra é "justaposição"), se você quiser comparar deliberadamente duas coisas. Mas essas duas coisas não parecem contrastadas ou comparadas, então o espectador fica simplesmente confuso.

E verticalmente, acho que os prédios estão muito distantes, quase como uma reflexão tardia, que deixa o fundo deixado muito vazio. Então verticalmente é desequilibrado. E horizontalmente estava muito centrado. O 3rds fornece um bom equilíbrio entre "muito longe" e "muito centralizado".

Coisas para pensar:

• A técnica de domínio é fundamental. Esqueça a "arte". Releia o manual da sua câmera.

• Você calibrou sua câmera com cores? Você mediu os níveis de luz na cena? Você obteve o espectro de luz ambiente e de sobrecarga da sua cena?

• A cena é saturada em azul devido à luz da noite. Você deveria ter usado um filtro para bloquear esta luz. O olho humano faz isso naturalmente. Se você deseja que uma foto tenha uma boa aparência, você deve fazer o que os olhos fazem: bloquear oversaturations e equilibrar a cor. Isso pode ser feito com precisão com filtros técnicos e um espectrômetro, ou você pode usá-lo com experiência.

• A imagem está desfocada (exceto o primeiro plano). Algumas pessoas pensam que as imagens fora de foco são legais. Eu tento fazer o que os olhos fazem: manter tudo em foco. Difícil de ser mais básico que isso. Foco.

• A exposição é ruim. As árvores estão apagadas e a água brilha. Aprenda sobre bracketing de exposição e composição de várias imagens com diferentes exposições. Melhor ainda, aprenda a trabalhar com suas lentes e câmeras para obter a melhor exposição possível em cada imagem. HDR não é mágico; se você alimentar imagens ruins, obterá compostos ruins.

• Você está atirando no local. A maioria das coisas parece ruim quando você as despreza. Tente olhar para cima. Quando tiro fotos de pessoas, ajoelho-me.

Feche um olho antes de tirar a foto. Algumas imagens podem parecer espetaculares quando vistas no glorioso 3D que seus dois olhos lhe dão, mas são um pouco mais maçantes ou mais entediantes no 2D achatado que aparece em uma fotografia.

Fechar um olho mostra a aparência em 2-D e, portanto, é uma melhor representação da foto.

Por muito tempo, a fotografia é diferente da visão humana. O cérebro faz muito pré-processamento, pós-processamento, preenchendo as lacunas, etc. Ele produz uma imagem "idealizada" na mente. A câmera é basicamente um globo ocular. Você não poderá capturar "o que vê" com uma câmera. Então, faça o que o cérebro faz - tire muitas imagens, desconsidere a maioria e manipule o que há de bom.

Sou um fotógrafo de rua e, portanto, minha proporção de fotos 'boas' é trivial (talvez 1: 100). Minha definição de uma boa tomada não é apenas uma tomada focada ou decentemente composta, mas uma tomada que é mais do que o conteúdo. Esses tipos de tomadas dependem de ajustar algo dentro do espectador que torne a tomada significativa de alguma maneira - intelectualmente, psicologicamente ou emocionalmente.

Minhas cenas "ruins" são aquelas que não têm algo a mais, as cenas "boas" são aquelas que ressoam não apenas comigo, mas espero, com as mentes de uma boa proporção dos espectadores. O bom tiro atinge pontos universais.

A resposta para isso é porque entender uma boa foto e tirar uma são habilidades diferentes. Pense desta maneira - você sabe quando alguém toca mal um instrumento musical? Provavelmente. Você pode tocar o mesmo instrumento melhor? A menos que você tenha feito algum treinamento nesse instrumento específico, provavelmente não. Você já pensou que um filme era ruim? Eu tenho! Eu poderia escrever, dirigir ou agir bem em um longa-metragem? Não.

As habilidades envolvidas na crítica de uma foto têm a ver com o reconhecimento de coisas como composição, iluminação, foco, etc. As habilidades envolvidas em tirar uma foto têm a ver com a captura de uma boa composição com boa iluminação e bom foco.

A maneira de melhorar na maioria das coisas é com a prática deliberada . Escolha uma peça do quebra-cabeça com a qual está tendo problemas e tire várias fotos para tentar melhorar esse aspecto. Eu fiz isso com foco, por exemplo. Eu estava tendo muitos problemas com o foco nas minhas fotos, então li sobre diferentes técnicas para melhorar o foco. Então saí e tirei um monte de fotos, onde tentei melhorar o foco na foto usando essas técnicas. Finalmente cheguei a um ponto em que estava feliz com o que estava capturando e estava na hora de melhorar a próxima coisa na minha lista.

Há cerca de 15 anos, fiz um curso de fotografia. Ainda estávamos usando filme, já que as câmeras digitais SLR eram muito caras. Um de nossos professores nos disse que não esperássemos mais de uma boa tomada por rolo de filme (de 36 fotos). Isso significava que colocar um rolo na câmera, tirar fotos e desenvolver o filme resultaria em no máximo uma foto utilizável.

Eu acredito que a mesma regra ainda se aplica hoje. Você precisa tirar muitas e muitas fotos para tirar apenas algumas boas. Após anos de prática, essa proporção melhorará um pouco, mas espere tirar muitas fotos ruins e apenas algumas boas.

Parece muito que você é um fotógrafo do tipo paisagem / rua / arquitetura. Algumas reflexões para esta disciplina.

Quando você encontrar uma cena que agrada a você, tente fotografar algumas perspectivas totalmente diferentes, em vez de apenas a que parece ser uma vencedora . Frequentemente, a melhor imagem é mais sobre capturar uma qualidade inefável da cena do que ser tecnicamente interessante .

Outro ótimo exercício é fotografar com apenas uma distância focal por um tempo; eventualmente, com a prática, você poderá antecipar as imagens antes de levantar a câmera.

Isso sempre requer prática, para todos, até para os mestres.

Ninguém tira imagens 100% perfeitas.

Considerando a foto na pergunta. As exposições longas à noite tendem a ter uma luz incolor muito plana, embora pareçam fabulosamente coloridas aos olhos do fotógrafo. Você provavelmente viu cores incríveis refletidas na água e presentes no céu que faziam essa composição fazer sentido.

Eu acho que fotos "ruins" são necessárias para comparação. Sem tentativa e erro, não seria possível definir o que é bom ou ruim.

Na minha opinião, devemos combinar os avanços de ambos: a impulsividade e a fotografia mais ponderada. Portanto, é recomendável levar consigo uma câmera de bolso (ou uma câmera de telefone de boa qualidade) o tempo todo. Continue tirando fotos impulsivas de qualquer coisa que lhe interesse e, se tiver tempo, verifique os resultados no local e veja se você pode fazer melhor. Não há necessidade de salvar todas as fotos tiradas.

Além disso, consuma imagens! Eu, pessoalmente, aprendi mais sobre fotografia quando participei do 365 desafio de imagem nas mídias sociais, onde um grupo de pessoas está tentando tirar uma foto por dia do ano, publicá-las em um grupo e discutir sobre elas. Ver fotos tiradas por outras pessoas e obter alguns comentários é o processo mais gratificante e educativo.

Arte é algo em que você pode aprender e melhorar constantemente. Não é que você não pare de tirar fotos ruins (embora sim, um erro ocasional ainda ocorra), é que sua opinião de "bom" e "ruim" muda drasticamente à medida que sua habilidade aumenta.

Faço fotografia profissionalmente como trabalho secundário e tenho fotos que descarto como "ruins" que os outros acham que são ótimas fotos. Da mesma forma, se eu revisitar fotos antigas, me pergunto como alguma vez pensei que muitas das minhas primeiras fotos eram boas.

Na minha experiência, as taxas de acerto melhoram bastante, mas você nunca se livra de fotos "ruins" inteiramente porque parte do processo de aprendizado é capturar imagens e ver o que funcionou e o que não funcionou. À medida que você aprende mais sobre o que funciona e o que não funciona, evita as coisas que você sabe que não funcionam e a qualidade aumenta, assim como sua habilidade, e começa a procurar coisas novas para desqualificar seu trabalho como "ruim". "

A taxa de acerto com erro é mais pronunciada ao fotografar pessoas, especialmente mais tarde no desenvolvimento de sua habilidade, já que as pessoas têm momentos muito mais fugazes quando grandes fotos podem ser tiradas, mas o princípio ainda se aplica às paisagens. Pessoalmente, nesse ponto, geralmente chego a uma proporção de 1: 5 para natureza morta e entre 1: 5 e 1:10 para eventos. (Eu não sou um profissional de ponta, mas eu me classificaria como o meio do grupo na arena profissional.) Meu argumento é que, mesmo quando você é realmente bom no ofício, ainda tem muitas falhas porque você está constantemente elevando a fasquia para fazer melhor. (Também depende do que você considera hits. Para mim, qualquer coisa que eu classificaria com 5 estrelas conta como sucesso, mas ainda há uma grande variedade nesse intervalo.)

Uma taxa de acerto de 1:10 para a natureza morta é bastante respeitável. Significa apenas que você ainda está aprendendo rapidamente. Ainda bem que você ainda está aprendendo a melhorar, em vez de algo ruim, "você ainda tira fotos ruins". Só é realmente ruim se você pode olhar para as suas fotos de 5 a 10 anos atrás e não ver até onde chegou nesse período.

Aqui estão meus pensamentos divagantes:

Eu acho que a idéia de uma imagem "boa" ou "ruim" é contextual: se você estava planejando exibir a imagem acima, sim, é ruim. Se você estava simplesmente tirando uma foto da área com uma câmera de filme e não a processava depois, tudo bem. Mas se, como eu, ao tirar fotos digitais, você descobre que os primeiros 6 a 8 são fotos de "aquecimento", esse é um bom começo. A partir daqui, eu me abaixava, colocava algo em primeiro plano para ajudar a atrair a atenção dos espectadores para a cena (pedras, mais musgo, um barco). Descobri que quando tiro fotos de filme, simplesmente quero que a cena esteja em foco e não escura, mas quando tiro fotos digitais, quero que toda a cena esteja em foco, realces recuperados, sombras visíveis, etc.

Quando estou tirando uma foto de filme, sempre penso comigo mesmo: "eu absolutamente amo essa composição / luz / contraste / qualquer coisa". Se não, ou eu tenho que pensar sobre isso, então não tiro a foto, mas tento descobrir o motivo de colocar a câmera nos meus olhos em primeiro lugar dentro do quadro e me concentrar nisso. Como fotografo paisagens, isso é mais fácil do que a fotografia de pessoas / animais de estimação / esportes. Também tento manter essa mentalidade com a fotografia digital, muitas vezes tiro uma foto no digital e apenas aceito que a luz está correta etc., muitas vezes não vejo a imagem até voltar ao PC.

Freqüentemente, tento "ver" a cena primeiro, não me refiro apenas ao material técnico, mas realmente vejo e sinto a cena - há uma brisa movendo as árvores, quero capturá-la? Existem bandos de pássaros por aí, de onde vem a luz, como são as nuvens? Se essa será uma exposição longa (como a sua), o que as nuvens farão: em que direção elas estão se movendo? etc. É um processo meditativo; Estou tentando capturar a essência de uma cena. Muitas vezes é mais fácil clicar no botão e depender posteriormente do photoshop / lightroom. Pessoalmente, usar a câmera é a última coisa que faço ao tirar uma foto em campo.

Eu nunca apaguei uma foto; Acho que os "lixo" são os que você mais aprende. E, muitas vezes, olhar as fotos que eu pensava serem lixo há 5 anos com novos olhos faz com que você as aprecie mais.

Como você, também sofro de uma incapacidade frustrante de produzir fotos "boas". Você admitiu que é um 'aluno de doutorado que estuda a neurociência cognitiva da visão'. Talvez eu possa ajudá-lo a apreciar sua situação do lado "científico":

Quando você decide tirar uma foto, está experimentando todo o ambiente de uma cena em primeira mão. Seus olhos e seu cérebro estão fazendo um trabalho fantástico para resolver o que mais lhe interessa, mas outras partes do seu cérebro / corpo também estão fazendo contribuições enormes e não apreciadas.

Você está cheirando o ar, sentindo a temperatura, absorvendo toda a cena enquanto vira a cabeça; seu humor na época e as pessoas que estão ou não presentes também estão influenciando seus sentimentos na época.

Quando você chega em casa, sua fotografia está em falta de todos esses dados "extras". Mesmo que possa ser uma medida altamente precisa dos fótons em cena, sua imagem está lá, morta, como a foto de férias de um estranho.

A câmera nivelou a gama de cores e o alcance da exposição. Não tem capacidade de destacar e aprimorar as pequenas partes da cena que seu olho / cérebro fez instantaneamente e instintivamente. A câmera desconsiderou completamente o cheiro do ar e o toque da brisa em suas bochechas. Você fica - junto com os espectadores - com algo menos do que uma vista através de um simples tubo de papelão.

Até desenvolvermos um dispositivo que captura todas essas informações extras, precisamos nos apoiar na Art para ajudar a recriar esse clima. As técnicas artísticas obtidas de milhares de anos de experiência humana podem ajudar a sugerir ou instilar os sentimentos desconhecidos pela câmera. Composição, aprimoramento de cores, foco, iluminação e muito mais, tudo isso pode ajudar a compensar as perdas, mas elas exigem habilidade para serem usadas.

Com desejo, paciência e tempo, você pode aprender a usar as técnicas artísticas que podem ajudá-lo a compensar o que foi filtrado da sua experiência.

Deseje a ambos sorte.

Eu acho que você está certo de que não pode "ver a floresta para as árvores", que também é conhecida como "visão de túnel" ou, em combate, especialmente a aviação de combate, como "fixação de alvos".

Tenho o mesmo problema em outro domínio, design de software e hardware, o que faz com que eu me fixe em muitos componentes triviais e acabo com um design frágil e muito complexo ... no qual fico em chamas e começo com algo melhor integrado e mais simples.

Eu também estava entrando originalmente nas ciências cognitivas, mas os computadores pagaram muito melhor nos anos 80, mas ainda mantenho a mão na mão. Ninguém fez mais pesquisas sobre percepção e tomada de decisão do que os militares, então verifiquei fontes militares para ver como conseguir fora do meu design vincular.

As forças armadas treinam os pilotos para quebrar a fixação do alvo, forçando-se a desviar o olhar do alvo, geralmente por cima do ombro e depois de volta. Isso é realizado constantemente, a cabeça do piloto nunca está parada. Pode ser a origem real do termo "esticador de borracha"

Um método secundário é desviar o olhar um pouco para trás e fixá-lo em uma parte diferente do alvo, por exemplo, na ponta da asa esquerda.

Ambos os métodos parecem funcionar, forçando uma reavaliação do alvo em sua totalidade. O primeiro método parece fazer com que o cérebro veja o alvo como algo novo. Também promove a conscientização do alvo dentro do contexto total do espaço de batalha, permitindo que o piloto decida melhor se o alvo é realmente a prioridade. O segundo método segue o contrário, desencadeando uma reavaliação de baixo para cima, que liga partes menores ao todo maior e ao espaço de batalha em geral.

No caso da fotografia, é possível desviar o olhar da imagem alvo exibida na câmera e / ou intencionalmente focar sua atenção em subáreas aleatórias da área focalizada. Desviar o olhar desencadeia a reavaliação e ajuda a avaliar a força com que o general ... o chama de "espaço estético" ... influencia sua percepção da qualidade da área fotografada. O foco em subáreas aleatórias pode desencadear uma melhor percepção da composição interna, criada pelos vários elementos na foto maior.

Tudo apenas um palpite. Nenhuma pesquisa que eu saiba sobre o assunto, mas tive sucesso com isso.

O que você gostaria de mostrar? O movimento da água, o pôr do sol, a natureza / árvores, as linhas, cores etc

Qual posição ou ângulo melhoraria o tiro? Por exemplo, sua câmera está apontando um pouco para baixo, o que torna os postes da cerca não na posição vertical. Se o foco talvez fosse as linhas, talvez elas funcionassem melhor na vertical, mais agradáveis ​​aos olhos.

Tripé, não se apresse, tire mais de uma foto. Ao olhar pelo visor / tela LCD, visualize a imagem final.

Um ditado:

A pessoa tira a ótima foto, o photoshop pode torná-la incrível.

Se a foto não for nítida, composição ruim, etc., o photoshop não pode ajudar.

Brincar: A fotografia é divertida, alguns de nós são pagos para isso, ainda é divertida. Algumas dicas:

Se disparar um disparo remoto no tripé ou ajustar a câmera para o obturador de 2 segundos, use o zoom no lcd para obter uma imagem realmente nítida para fotos amplas como a sua postagem, diminua a abertura. f22 etc tente tirar fotos de diferentes alturas, do chão / cintura / cabeça etc tente tirar fotos mantendo a câmera perfeitamente nivelada, veja o resultado se você não tiver um tripé, descanse os braços em um objeto e encoste-se a alguma coisa. finalmente: aprenda tudo o que puder sobre sua câmera e toque / toque / toque

O que você faz isso permite que você pense criticamente e veja a cena inteira objetivamente antes de desperdiçar filme ou megabytes?

Confirmo a presença de elementos básicos como qualidade da luz, um assunto que posso isolar e priorizar visualmente , a janela de tempo ideal e, por último mas não menos importante, é ainda interessante.

Como sou totalmente capaz de identificar uma foto ruim, por que não consigo parar de pressionar o botão do obturador quando a vejo no visor?

Por todos os meios, pressione-o. Então procure algo melhor. Não há problema em abandonar o assunto / abordagem original.

Será que grandes nomes como W. Eugene Smith aprenderam a ver rapidamente cada parte de uma cena e foram capazes de decidir se era uma boa cena ou não antes que o momento passasse? Essa é uma habilidade que está naturalmente presente em algumas pessoas ou a maioria dos fotógrafos precisa fazer algum tipo de treinamento oftalmológico rigoroso para chegar lá?

Você não precisa ser ótimo. Eu faço isso, mas muito do pensamento é realmente premeditado e antecipado. Luz, você pode avaliar constantemente à medida que avança. Vá em direção ou fique na boa luz. Gerencie sua distância de trabalho de acordo com a distância focal escolhida e o assunto que você antecipa à medida que avança. Quando saio de casa com uma câmera, defino o ISO com base nas condições de iluminação esperadas e talvez na exposição também. Pelo que sei, vou em frente e me preparo para ter o mínimo possível para pensar quando o inesperado acontecer.

Você menciona retratos. Animal diferente com suas próprias regras, mas realmente os mesmos blocos de construção.

Para mim, é confiar no meu gosto, gostar do que eu gosto e elevá-lo quando o encontrar. Outras paixões como a ficção científica contribuem. Definitivamente outros fotógrafos ("O que Doug Menuez faria?").

Além disso, assista a isso .

Desde a sua especialização em neurociência cognitiva da visão, você já sabe tudo sobre composição, os princípios da gestalt e muitas outras teorias sobre como o cérebro brinca com nossa visão e o que lhe agrada.

Por que você fotografa quando sabe que a fotografia será um desperdício, só posso supor que seja devido ao meio em que você está fotografando, digital. Se você já é proficiente no lado técnico de tirar uma fotografia, está apenas se aproximando, porque o custo de oportunidade dessas fotos é quase zero.

Se você quiser aprender a filmar de forma mais proposital, tente filmar por um tempo. Lá você tem apenas 36 fotos por rolo e elas custam dinheiro e tempo para desenvolver e ampliar uma cópia. Você também pode ir até as câmeras de grande formato (apenas duas fotos por chassi e cada chassi ocupa muito espaço e um pouco de peso), o que é mais indicado para que os objetos fiquem parados (retratos, paisagem e arquitetura) , para não dizer que você não pode tirar uma foto de um objeto em movimento, mas apenas configurar a câmera demora um pouco.

Não esqueça que os mestres com sorte chegaram a cerca de 3 escolhas de um rolo completo de filme. Mas eles e seus editores eram provavelmente muito mais rigorosos do que o que temos hoje.

Impressão da folha de contato: Audrey Hepburn na cara engraçada David Seymour - Cortesia de Magnum Photo