A composição após a captura é contra as regras tradicionais da fotografia?

Eu uso meu celular para fotografar. Normalmente, quando percebo algo interessante, tiro uma foto com o ponto de interesse em algum lugar próximo à região em que quero que seja. Mas faço isso com a suposição clara de que a composição final após editá-la usando o Snapseed pode ser completamente diferente. Faço isso porque sinto que recebo um maior nível de liberdade e conveniência quando componho off-line, quando estou sentado em algum lugar confortavelmente.

Minha pergunta é se essa é uma prática comum entre os fotógrafos? Ou talvez os fotógrafos tradicionais façam a composição quando capturam?

Mais especificamente, a composição offline é considerada trapaça ou algo assim?

Atualizações:

Exemplo da minha composição offline

FINAL ORIGINAL

Não fui eu quem adicionou a tag "ética". E honestamente, eu não estava pensando em ética quando usei a palavra trapaça. O que eu quis dizer é pegar atalhos. A tecnologia tornou muito fácil tirar boas fotos. Uma formulação melhor da pergunta seria se a composição offline é desaprovada pelos fotógrafos tradicionais?

Eu tiro fotos como uma saída da minha criatividade. Não pretendo ganhar dinheiro com isso nem usá-lo para promover nada. Acabei de enviá-lo para 500px .

Não vou a lugares para tirar fotos. Tiro fotos de coisas interessantes que encontro em lugares que a vida me leva. Sendo um introvertido, não me sinto confortável carregando uma câmera grande, um tripé, etc. em lugares lotados e atraindo atenção. Então, eu prefiro um telefone com boas especificações de câmera (LG G6) agora. E prefiro tirar fotos rapidamente e não ficar por aqui. É por isso que prefiro compor mais tarde. Claro que faço composição mínima quando capturo.

Mesmo tendo as respostas de que preciso, acho muito difícil selecionar a resposta mais apropriada aqui. Devo esperar alguns dias e selecionar a resposta com o maior número de votos?

Parafraseando uma passagem do antigo livro hebraico de Eclesiastes:

Para tudo, há uma estação.

Um tempo para nascer, um tempo para morrer
Um tempo para desmoronar, um tempo para acumular
Um tempo para guardar, um tempo para abandonar
Um tempo para usar 'Exposição Automática', um tempo para usar 'Exposição Manual'
Um tempo para usar 'Ponto Único AF-S', tempo para usar 'Área AF-C'
. Tempo para recortar na postagem, tempo para compor cuidadosamente a imagem final ao fotografar.

Com muitas coisas na fotografia, há algumas que podem ser muito úteis quando se aprende a fazer fotografia que acabam atrapalhando a execução dos melhores tipos de fotografia. O truque é reconhecer quando algo que antes era útil se tornou algo que está impedindo de se tornar um fotógrafo ainda melhor.

Isso não quer dizer que o cultivo esteja sempre na categoria anterior e nunca o corte esteja sempre na segunda. Também existem momentos e lugares em que o corte após o fato produzirá uma imagem melhor do que o que os melhores esforços do fotógrafo, limitados por fatores fora de controle, podem fazer na câmera.

O frequentemente reverenciado Henri Cartier-Bresson tinha a dizer sobre o cultivo:

Se você começar a cortar ou recortar uma boa fotografia, isso significa morte para a interação de proporções geometricamente correta. Além disso, muito raramente acontece que uma fotografia composta de maneira fraca possa ser salva pela reconstrução de sua composição sob o ampliador da câmara escura; a integridade da visão não está mais lá.

No entanto, mesmo a HCB usou o corte (e evasão e queima considerável na câmara escura, provavelmente executada por outra pessoa) quando era a única maneira de obter a foto que ele queria.

Havia uma cerca de tábuas ao redor de alguns reparos atrás da estação de trem Gare Saint Lazare. Por acaso, eu estava espiando por uma fenda na cerca com minha câmera no momento em que o homem pulou. O espaço entre as tábuas não era amplo o suficiente para a minha lente, razão pela qual a imagem é cortada à esquerda.

Mas, em geral, o corte como um meio de salvar ou melhorar uma imagem menos do que idealmente composta é provavelmente mais útil como uma ferramenta de aprendizado no desenvolvimento de um fotógrafo do que como uma ferramenta primária no pacote de truques de um fotógrafo maduro. Ao recortar após o fato, o fotógrafo em desenvolvimento pode autocrítica de suas próprias composições e considerar maneiras pelas quais eles poderiam melhorar a foto, compondo de maneira diferente no momento em que a imagem foi capturada.

Veja, por exemplo, a imagem original incluída no OP.

Compare com a colheita do OP:

Essa colheita permite que as distrações permaneçam em três das quatro bordas da moldura, a fim de preservar ou até melhorar um pouco as linhas (implícitas) entre a cabeça do homem, o sol e os reflexos do sol na água que formam um triângulo. como uma característica dominante da composição. Quando olhamos para a foto, não podemos deixar de notar.

De muitas maneiras, a colheita do original de xiota em sua resposta é uma melhoria em relação à composição da câmera e à colheita do OP em relação à eliminação das distrações periféricas. Mas também apresenta um novo problema: a posição do sol e seu reflexo na água agora estão muito perto da borda esquerda. As linhas implícitas entre a cabeça do homem, o sol e os reflexos do sol não são mais as características composicionais dominantes na parte central da imagem. A linha vertical muito menos interessante no centro da estrutura assume o controle.

Se o fotógrafo tivesse procurado com mais cuidado uma composição final na câmera, eles poderiam ter visto isso e movido um pouco para a direita, mantendo os dois elementos verticais nas bordas, para mover o sol ainda mais para dentro das bordas. Colocar a cabeça do homem e o sol em lados opostos do quadro equidistantes da borda de seus respectivos lados, emoldurados por fortes elementos verticais, teria fortalecido enormemente a composição geral.

Teria algo parecido com isto:

Isso só poderia ter sido feito considerando-se com mais cuidado a composição final e ajustando a posição de disparo no momento em que a imagem foi capturada.

Idealmente, o fotógrafo teria posicionado perfeitamente a câmera para obter a composição mais forte antes de tirar a foto. Nos dias de médio formato, ao pressionar o botão do obturador custava cerca de US $ 1 por pop no filme e no custo de desenvolvimento, era assim que muitas pessoas faziam isso. Se as pessoas se mudassem antes desse ponto, o tiro não teria sido feito. No mundo real de hoje, provavelmente daríamos o tiro como o OP, como um tiro de segurança caso as pessoas começassem a se mover. Se eles permanecessem estacionários por tempo suficiente, também poderíamos ter reposicionado a câmera para obter a composição mais ideal e usado esse quadro como nossa imagem selecionada.

_{¹ Viu o que eu fiz lá?}

Primeiro de tudo: a fotografia é uma forma de arte e todos podem executar sua arte como ele deseja. Com isso dito, as chamadas "regras" da fotografia, especialmente as regras de composição, são mais uma diretriz para ajudar a composição do que uma regra.

Se você preferir compor sua imagem após a foto, é o seu estilo e a sua imagem, mas a composição "offline" tem algumas desvantagens em comparação com a composição direta.

A primeira desvantagem é que você perde muito da imagem e a imagem fica menor por causa disso.

Além disso, você só pode realmente mudar o corte depois de tirar a foto, mas a composição também contém o ângulo e a posição em que a foto é tirada. Esse segundo ponto também é o ponto em que não entendo o seu ponto de maior nível de liberdade, porque muitos fotógrafos pensam em uma limitação bastante grande por causa disso. A composição é mais do que apenas o corte da imagem. É o que é mostrado e como é mostrado. Portanto, não apenas o corte é importante, mas também a posição de onde a imagem foi tirada, o ângulo da câmera, a distância focal, ...

Minha pergunta é se essa é uma prática comum entre os fotógrafos? Ou talvez os fotógrafos tradicionais façam a composição quando capturam?

Muitos fotógrafos fazem ajustes de corte após tirar a imagem, mas ela sempre corta partes da imagem e você não pode adicionar muito na postagem. Portanto, você deve tentar obter a composição em si o mais próximo possível do produto final na câmera.

Mais especificamente, a composição offline é considerada trapaça ou algo assim?

A fotografia é uma forma de arte, de modo que trapacear não é realmente possível, desde que você defenda o que faz e não afirme que seja algo que não seja. Por exemplo, não chame isso de fotografia documental, se você mudou as coisas na imagem, como a remoção de distrações.

O grande problema é que a composição offline é muito mais limitada do que fazê-la online. Portanto, é melhor levar um tempo antes de tirar a foto e aproximá-la do que pensar muito tempo depois e limitar-se às alterações.

Do ponto de vista artístico, o fotógrafo tem o dever de usar todos os meios à sua disposição para obter a aparência desejada. Isso inclui corte e / ou outras técnicas de manipulação de imagem.

Para ilustrar meu argumento - este é o quadro original de Alberto Korda. Você sem dúvida está familiarizado com a versão editada. Foi cortada e o contraste foi ajustado.

Você pode concordar ou discordar do resultado, mas foi a decisão de Korda (e pessoalmente acho que ele acertou em cheio).

Minha pergunta é se essa é uma prática comum entre os fotógrafos? Ou talvez os fotógrafos tradicionais façam a composição quando capturam?

Os fotógrafos geralmente pretendem capturar uma imagem o mais próximo possível da imagem final. Três razões para isso:

• controle: existem muitos aspectos de uma imagem que você não pode alterar após o fato. Você não pode alterar o foco, o ponto de vista ou o momento em que capturou a imagem, por exemplo. Essas coisas estão inseridas na imagem e, para corrigi-las, você geralmente precisa de uma boa idéia de como você acha que a imagem final será.

• resolução: enquadrar a imagem na câmera como deseja que a imagem final seja enquadrada significa que você não precisa cortá-la ou não muito. Isso significa que você está usando todos ou quase todos os dados do sensor e acaba com a imagem de maior resolução. Se você cortar uma parte significativa da imagem, ficará com menos pixels para trabalhar.

• tempo: se você compõe uma imagem da maneira que deseja quando a tira, não precisa gastar tanto tempo editando-a mais tarde. Pode não parecer muito importante economizar alguns minutos, mas se você tirou cem ou duzentas fotos em um dia, reduzir o tempo que você precisa gastar em cada uma delas mais tarde faz uma grande diferença.

Agora, isso não significa que os fotógrafos não mudem de idéia mais tarde. Não é incomum perceber algo em uma foto que você não viu antes ou perceber que a foto seria ainda melhor se parte dela fosse deixada de fora. Mas na maioria das vezes, você sabe o que está tentando capturar quando tira a foto e tenta usar todos os controles da câmera para criar a imagem que deseja. Você tem mais controle sobre uma imagem no momento da exposição.

Mais especificamente, a composição offline é considerada trapaça ou algo assim?

Não é trapaça e, se funcionar para você, vá em frente. Esteja ciente do que está desistindo, se estiver cortando rotineiramente grande parte de suas imagens.

Existem câmeras no mercado que capturam mais dados do que o necessário para uma única imagem exatamente para que você tenha a liberdade de ajustar mais tarde. As câmeras de campo de luz possuem sensores especiais que registram a luz em vários planos focais, para que você possa alterar o ponto de foco posteriormente. E algumas câmeras podem gravar uma série de imagens em vez de apenas uma, para que você possa alterar o momento em que a imagem final foi gravada ou até combinar partes de várias imagens para obter uma foto em que todos estejam olhando para a câmera. mesmo tempo, mesmo que isso não tenha acontecido.

Uma formulação melhor da pergunta seria se a composição offline é desaprovada pelos fotógrafos tradicionais?

Eu nunca ouvi alguém usar a frase "composição offline", então não acho que a maioria dos fotógrafos realmente pense nisso nesses termos. O que você mostrou como exemplo é um exemplo bastante típico de corte - você decidiu depois que a ponte era mais interessante que o céu ou os joelhos do sujeito. Os fotógrafos fazem esse tipo de coisa o tempo todo, e se alguém o faz uma careta, quem se importa? Não se preocupe com isso.

Dito isso, acho que a maioria dos fotógrafos também tenta pensar em composição quando está tirando a foto, pelas razões descritas acima. Se você está satisfeito com seu processo e satisfeito com as imagens que está criando, não mude nada. Mas se você estiver interessado em melhorar sua fotografia, uma coisa que você pode fazer é tentar ficar mais consciente da composição enquanto estiver filmando.

Esta resposta se concentra no aspecto trapaceiro da pergunta.

... a composição offline é considerada trapaça?

Trapacear está ganhando vantagem com a decepção. Quaisquer que sejam as regras de fotografia pessoal que você segue, é trapaça se você sentir necessidade de mentir. Contanto que você seja franco quanto ao que está fazendo, não será trapaça. Mesmo com algo banal como cortar, se você diz que não, mas fez, é trapaça. Como você admite abertamente a "composição offline", não é trapaça no seu caso . Para alguém que afirma que a imagem foi produzida inteiramente na câmera, seria trapaça.

Isso não é específico para a fotografia.  Faça esportes. Por que tomar certos medicamentos trapaça? Porque todos concordaram em não fazê-lo, e aqueles que ganham vantagem mentindo sobre isso. Se houvesse uma série de esportes em que drogas permitidas para melhorar o desempenho fossem permitidas, não seria mais trapaça.

Trapacear é sério.  As pessoas têm medalhas, diplomas e honras revogadas por causa de trapaça. As pessoas são expulsas das universidades por trapacear. Os papéis são recolhidos devido a trapaça. Trapacear está errado.  As pessoas sabem que estão prestes a fazer algo errado quando começam a planejar o encobrimento e a gerar desculpas caso sejam pegos.

É não verdade que fazer batota não é possível porque a fotografia é "arte".  Mais uma vez, trapacear é usar engano para obter vantagem. Alguém pode mentir sobre como alguma "arte" foi produzida para aumentar as vendas ou vencer um concurso com regras claramente definidas. Isso é trapaça.

Suponha que um fotógrafo de documentário edite e publique algumas fotos . Fotógrafos de documentário afirmam mostrar coisas "como estão", com edições restritas às diretrizes do editor. Quando eles editam fotos além do permitido, estão mentindo para obter vantagem. Daí trapaça.

... [composição offline] é uma prática comum ...?

Não há nada errado com a "composição offline", desde que não haja engano envolvido com sua prática.  A maioria das pessoas endireitou e cortou uma foto em algum momento. É impossível não o fazer em alguns tipos de fotos com requisitos específicos de tamanho e proporção, como fotos de passaporte e perfil. O corte pode fazer parte do processo de upload e seleção de imagens.

Muitos que nunca colheram (provavelmente) provavelmente não sabem nem se importam com isso. Eles provavelmente não estão adotando nenhum tipo de princípio contra o cultivo. Normalmente, eles não têm fotos de perfil em nenhuma das contas e têm os netos configurando todos os seus eletrônicos.

Os motivos para não cortar, para fazer na câmera, incluem maximizar a área de filme / sensor, evitar o esforço de pós-processamento e a satisfação de ter uma imagem "perfeita". Não faz sentido mentir sobre o cultivo. Qualquer que seja o "prestígio" ganho pela mentira é compensado por ainda ter que fazer o pós-processamento e perder a pressa da dopamina de acertar na câmera.

Os fotógrafos tradicionais fazem a composição quando capturam?

Depende de quão tradicional. Somente filme? Desenvolver-se? Imprima você mesmo? Em um quarto escuro com ampliador? Misture seus próprios produtos químicos? Etc.  Algumas mídias não podem ser facilmente cortadas , como filme deslizante e placas de vidro. Alguns formatos se prestam ao corte , como formatos quadrados médios com uma lente de distância focal fixa.

Existem basicamente duas razões para "regras" na fotografia. Bem, três. O terceiro tipo de regras são ditadas pela mecânica ou pela física: você não pode ter dois assuntos a distâncias diferentes, tanto em foco, a Terra gira a uma certa velocidade , o sol pode danificar sua câmera e seus olhos, etc.

Mas descontando esses tipos de coisas práticas, há duas razões para as regras:

Primeiro, diretrizes para simplificar as coisas para iniciantes e outros que não têm certeza da composição. Isso se aplica à regra "regra dos terços" e outras regras "dividir por linhas", além de muitas outras sugestões para composição e exposição "adequadas". Veja alguns exemplos:

• Assunto ao lado, na interseção ou nas linhas internas das regras de composição? )
• Ao tirar uma foto, onde deve estar o horizonte?
• O que significa quando algo "distrai"?
• O que é exposição "correta"?

Esses tipos de regras também são os que são feitos para serem quebrados . Eles realmente não se aplicam em todos os casos, e se todos seguissem todas essas regras, a fotografia seria chata e triste.

Segundo, embora existam regras mais ou menos arbitrárias que podem funcionar como ferramentas para a criatividade, como formas de um poema . Não há nada mágico que diga que um poema de amor deve ter três quadras e um dístico final, mas muitas pessoas gostam do desafio de fazê-las. Não é "trapaça" escolher algo além de dezenove linhas com duas rimas repetidas e dois refrões para sua meditação sobre a vida e a morte - mas aderir intencionalmente a villanelle produziu alguns trabalhos incrivelmente poderosos e duradouros. (Mesmo que você não goste de poesia, você conhece as seguintes frases: "Não entre delicadamente nessa boa noite. Raiva, raiva contra a morte da luz.")

Isso também pode ser verdade na fotografia, e de fato alguns mestres estavam obcecados em não cortar - não por estar trapaceando per se, mas porque não é o espírito da fotografia. Para o pioneiro e lenda da fotografia de rua Henri Cartier-Bresson, as fotografias são sobre " o momento decisivo ". Ele diz isso sobre o cultivo:

Temos que ter uma noção da geometria da relação das formas, como em qualquer meio plástico. E acho que você se coloca no tempo, estamos lidando com tempo e espaço. Assim como você escolhe um momento certo em uma expressão, você escolhe seu ponto certo também. Vou me aproximar, ou mais, há uma ênfase no assunto, e se as relações, a interação das linhas está correta, bem, está aí. Se não está correto, não é cortando na câmara escura e fazendo todos os tipos de truques que você o aprimora. Se uma imagem é medíocre, ela permanece medíocre. A coisa está feita, de uma vez por todas.

Da mesma forma, o Grupo f.64 , do qual Ansel Adams era membro (junto com Imogen Cunningham, Edward Weston e outros), valorizou a impressão direta de câmeras de visão grande formato - a imagem pode ser muito manipulada , mas foi vista como falha na colheita . De um artigo sobre Weston :

Jennifer Watts, curadora de fotografias de Huntington, disse que Weston nunca recortou suas fotografias: "Ele realmente procura encontrar a forma na natureza. Seja uma forma retorcida no tronco de uma árvore ou nuvens, e aperfeiçoando-a de maneira clara, concisa e emoldurada. . "

Então, sim, certamente existem "regras de fotografia tradicionais" que são cortadas no quarto escuro (ou agora, no computador). Mas está tudo bem. Nem todo grande poema é soneto. De fato, do manifesto do Grupo f.64 :

Há um grande número de trabalhadores sérios na fotografia, cujo estilo e técnica não se relacionam com o setor do Grupo.

"Metier" significa "negócios ou vocação" e, nesse sentido, esse trabalho não é realmente profissional tanto nas regras específicas que o grupo escolheu. Portanto, esse grupo de fotógrafos tradicionais muito conceituados aderiu estritamente a um conjunto particular de princípios e achou importante e valioso fazê-lo, pois não sentiram a necessidade de impor essas regras específicas a todos.

Mas é importante também perceber que as regras que eles escolheram não são apenas arbitrárias. Eles se encaixam na história de uma maneira importante . Os artistas do Grupo f.64 estavam reagindo à escola pictórica de fotografia anteriormente em voga . Para resumir grosseiramente, esse movimento anterior tentou validar a fotografia como Arte Real, enfatizando o que realmente são aspectos não fotográficos da criação, incluindo a adição de pinceladas e outras manipulações evidentes. Por outro lado, os membros do Grupo f.64 acreditavam que a fotografia possui uma linguagem própria e que a linguagem da fotografia é diretamente informada pela mecânica do processo. Portanto, há algo quase sagrado, desde a foto emoldurada até a impressão de contato.

Embora o resultado - evitar o cultivo - seja semelhante ao de Cartier-Bresson, as razões para a escolha dessa regra são diferentes. Ou melhor, diferente nas especificidades, mas na verdade idêntico em espírito, porque a regra reflete o que a fotografia significa para todos esses fotógrafos diferentes.

Encorajo-vos a encontrar as regras que se encaixam no seu estilo e o que a fotografia significa para você . Para mim, é evitar lentes de zoom; Costumo cortar após o fato para mudar a relação de aspecto, mas eu faço tipo de situações ver onde eu não conseguir o enquadramento certo na câmera como um fracasso. Mas para outras pessoas, tudo isso é apenas uma ferramenta na caixa de ferramentas. Voltando à poesia, muitos leitores casuais veem o trabalho de Emily Dickson como poemas loucos de forma livre porque não seguem um esquema tradicional de rima, mas na verdade são cuidadosamente medidos e medidos. Ela não estava traindo por não escrever sestinas ou o que quer, mas ela definitivamente tinha uma voz específica. Regras como "acertar o enquadramento na câmera" podem ajudar você a encontrar o seu,essa regra.

Não, eu não consideraria isso trapaça.

Em alguns casos, você simplesmente não tem a lente certa à mão (ou melhor na câmera) ou o assunto está se movendo; portanto, você deve tirar a foto como está e compor mais tarde.

Para mim, eu gosto de fotografia da vida selvagem, mas, por mais que eu pergunte com delicadeza, o cervo (ou o que quer que seja) se moverá nas piores direções. Então, tiro a foto o máximo que posso e componho ou pós-processo posteriormente.

Pode ser uma coisa útil a se fazer.

1. Sua lente é mais nítida no centro
2. Sua câmera costuma focar melhor melhor no centro (ponto de foco mais sensível / preciso) (algumas câmeras antigas focam automaticamente apenas no centro)
3. Sua câmera dá mais peso ao centro da imagem quando determina a exposição.

É claro que você pode centralizar o assunto, pressione o botão pela metade para ajustar a câmera / foco e depois mude o quadro para compensar 2) e 3), mas isso ainda coloca o assunto onde a lente é mais macia.

Portanto, fotografar com um assunto centralizado às vezes é tecnicamente melhor, especialmente se você tiver uma câmera e lente de nível básico.

Como muitos apontaram, isso depende da intenção da imagem.

Concordo plenamente com Jindra Lacko em relação à obrigação do artista. Isso está certo no dinheiro.

Seu fraseado sugere que você esteja usando sua fotografia como uma saída criativa (arte pessoal). Nesse caso, existe apenas um tipo de trapaça, porque há apenas uma regra: a imagem final precisa atender à sua visão artística. Caso contrário, você estará enganando a si mesmo e a seus espectadores.

Recorte WRT: É uma carga arbitrária e irracional para a sua visão artística e interpretação de um assunto, exigir que a imagem final corresponda às proporções do quadro do equipamento usado na captura. Para maximizar a qualidade da imagem, você DEVE se esforçar para enquadrar a imagem inicialmente, de modo que você só precise cortar ao longo de um eixo (largura ou altura). Às vezes, isso é simplesmente impossível. Então, torna-se uma questão de sacrificar um pouco de qualidade versus sacrificar um tiro ... geralmente vale a pena trocá-lo.

Falando da captura ... a captura dos dados da imagem é apenas um passo (conto 5) no processo fotográfico criativo. É extremamente importante ter certeza; mas é apenas um. A principal função da captura é capturar dados de imagem suficientes para que possam ser manipulados em sua visão para a imagem durante o pós-processamento. Se você "destacar" os destaques importantes ou deixar que os detalhes importantes das sombras caiam em preto, a imagem estará além do reparo (sem recorrer a medidas extremas). Esse fato é a motivação para a imagem HDR (para digital) e o sistema de zona (para filme), porque muitas vezes a faixa de iluminação (também conhecida como faixa dinâmica) da cena torna impossível ajustá-la às limitações físicas do sistema de captura. (a câmera / sensor / filme).

Os grandes fotógrafos pictóricos (Adams, Westons (Ed e Brett), White etc.) passaram longas horas na câmara escura trabalhando suas imagens para encontrar sua visão artística pessoal. A tecnologia da época os limitava bastante. O fato de o software agora fazer ajustes razoavelmente triviais não o altera um pouco porque nunca foi sobre o processo, sempre foi sobre a visão. Eu diria que, como grande parte da tecnologia, ela aumenta muito o nível de refinamento esperado, porque é muito mais fácil de alcançar.

Uma nota final: sua visão artística muda ao longo de sua vida. Lembro-me de ler uma história sobre Minor White trabalhando em algumas imagens para uma próxima exposição. Um de seus amigos perguntou por que ele estava retrabalhando as impressões quando ele tinha impressões dos mesmos negativos. Ele respondeu: "Sim, mas agora eu os vejo de maneira diferente".

A composição do resultado final ao fotografar tem várias vantagens: você obtém o poder de enquadramento total da câmera e sua resolução total. Você terá exposição e faixa dinâmica adequados para o melhor resultado final. Isso é bastante óbvio ao usar pistolas de flash fora da câmera: se elas acabarem na imagem, isso terá consequências significativas para a faixa dinâmica disponível para o resultado, principalmente se o seu equipamento e fluxo de trabalho permitirem o uso de TTL e, assim, reduzirão a exposição a evite a superexposição do que não deve acabar na imagem final. É claro que isso é semelhante para fontes de luz ou destaques flagrantes que provavelmente acabarão fora de cena por causa da composição. O corte tende a ser o menor dos males, qualquer rotação, alongamento ou correção de perspectiva custará em termos de nitidez da imagem.

Portanto, há um bom ponto em pré-enquadrar corretamente: ele fornece o melhor material para trabalhar posteriormente. O pré-enquadramento não significa obter o enquadramento perfeito: isso não deixaria a margem de aumento do quadro, se for necessário (por exemplo, para preenchimento com uma proporção diferente da projetada originalmente). Você deve ter um slop suficiente para trabalhar na pós-produção para todos os fins pretendidos.

Eu errei recentemente fotografando um gato encurralando uma ratazana no pátio. Verificou-se que um bom enquadramento dividia o espaço do quadro mais ou menos igualmente entre a ratazana e o gato (imaginando apenas uma meia-cabeça iminente do gato em vez de todo o animal e o ambiente). Como consequência do enquadramento errado, o que eu tinha não era apenas baixa resolução, mas também seriamente subexposta, apesar de usar um flash.

De fato, alguns dos erros de enquadramento mais conseqüentes que cometi tendem a ser quando tento capturar uma entidade completa quando um bom enquadramento justificaria apenas uma fração consideravelmente reduzida. Em particular, como "apenas" capturar uma entidade tende a ser de pouca utilidade para fins de enquadramento (fora da fotografia do produto): ou você deseja imaginar como algo se encaixa no contexto ou não.